Julio Castro - laRepúblicaCultural.es

Tres exposiciones diferentes y años de trabajo que se pueden resumir en el concepto de aprender a ganar perdiendo. Quizá a alguien pueda parecerle poca cosa para tanto esfuerzo, y sin embargo, además de la dificultad que plantea alcanzar una conclusión de conceptos contrapuestos, tan compleja y poco evidente, la profundidad de esta Trilogía y lo divertido del viaje, nos dejan la seguridad de dos cosas: una es que Cambaleo Teatro hace las cosas a conciencia y persevera hasta el final de sus propuestas, pase el tiempo que pase. La otra consiste en darse cuenta de que se divierten con sus objetivos, y tratan de cumplirlos con la seriedad que da esos puntos de humor e ironía (incluso a veces de cinismo) en la exposición.

De esta manera, en orden cronológico habría que comenzar por Entre los paisajes, que es una creación de hace más de 2009, pese a que el texto originario fue escrito hace más de 20 años por Antonio Fernández Lera, a partir de unas cartas de Vincent Van Gogh, y que en origen se tituló precisamente Proyecto Van Gogh. Comienzo por hablar de esta, no solo por la cronología (que no suele ser importante en el espacio escénico), sino porque es la que se sale más de la concepción común de las tres obras, de manera que se aborda el pensamiento del artista a partir de una mente atormentada, desde la que desgrana sus ideas, algunas como pinceladas breves lanzadas al aire sin conexión aparente, en tanto que otras emiten un mensaje rebelde en alguien que, eso sí, encaja perfectamente en el perdedor que debe aprender a perder para poder sentirse como ganador. De esta manera evoca cuestiones como ese conjunto de revoluciones coincidentes en países europeos, que se denominan La Primavera de los Pueblos, que le retrotrae a 1848 (que conduciría a una nueva República en Francia) y a “la barricada / que yo tan solo conozco por biografías”, o a las mujeres de los burdeles y los crímenes de un entorno que ahora nos parece tan extraño y lejano, pero desde el que el pintor desde su semiencierro mental exclama “no te fíes de mí: sigo estando como una cabra como suele decirse”. Todo ello a partir de un prólogo en el que se recoge: “Perfiles de hombres maduros fotografías de personajes demasiado conocidos un dictador a la sombra de un dios el dios tiene las manos manchadas de sangre y el Jefe del Estado posa para la foto familiar Manos limpísimas como el cielo sin pájaros o nubes […]”, y en el fondo sé desde la obra anterior, que nos encontramos ante la revolución que no ocurrió, la que perdimos cada vez y que debemos aprender a reconocer como ganada para plantearnos la siguiente. El pintor no ganó nada en vida, y de hecho no vendió sus cuadros ahora multimillonarios en precio (inestimables en valor), es uno de los que baten record de pérdidas en vida. Mientras Antonio Sarrió desarrolla su monólogo, Begoña Crespo colabora en crear y disponer objetos o personas que, captadas por una cámara, ofrecen imágenes en directo, en general estáticas como cuadros, que conectan al texto y su referente con el público.

Seguramente, por esto último, entiendo cómo se desarrolla la primera parte de la trilogía, Cuando todo esto haya terminado, una frase que tantas veces sería dicha en aquella lucha contra el fascismo en los años ’30, en la que l@s hoy abuel@s, con sus hij@s, con la gente cercana, se hacía promesas a sí misma para cuando todo esto haya terminado. Esto que no sabían cómo llamar… y que aún no terminó. Y que aquí se expone en los últimos días el diario del Ché en esa guerrilla que todo el mundo sabe que condujo a la muerte, pero que cada vez que leo o escucho me lleva a pensar: ¿y si esta vez no muere? Lo digo en serio, como tampoco evito ni puedo evitar creer que el golpe de Estado franquista se puede acabar acallando en unos días si las cosas se hacen de otra manera. Pero aquí, mientras Begoña Crespo y Eva Blanco leen, Daniel Abreu se mueve a través de una selva proyectada, a través de la cual busca una salida hacia un lugar de refugio que no encontrará. Luego, Begoña también se unirá a ese encuentro del movimiento corporal, que no logra hallar al Ernesto Guevara que ya no está. En este segmento de la trilogía, aunque se introduce una parte del descubrimiento del proceso creativo, tiene más peso el resultado de la creación y, sobre todo, mantiene nítido el concepto de “ganar perdiendo”. En definitiva, el texto expositivo comienza con una parodia del éxito y su significado, conectando biunívocamente a éste con la ignorancia de quienes lo otorgan, incluso, si cabe, riéndose, con una divertida cita silogística, de quien quiere encasillar el teatro en lo real o en lo irreal, ya que acaba trascendiendo esta clasificación.

Con El mapa no es territorio se ríen de sí mismos y de la vida, se ríen del proceso creativo y juntan tan diversos conceptos que se unen a los personajes, los conectan y los enredan, mientras las imágenes van sucediéndose en una pantalla que muestra otro proceso creativo: un cuadro, que será un mapa y que pintan en directo Gonzalo Buznego y Pablo Almeida, y que será la culminación del texto que cierre la secuencia de intervenciones e imágenes. Así se convertirá en un fundido del mapa con el territorio, en el que las palabras tienen tanto significado como las imágenes y los conceptos. El tono tiene grandes contrastes y mucha poesía, con subidas y bajadas de emociones, a la vez que el tono de humor supera lo que se pergeñaba en las anteriores piezas, de manera que al llegar a su conclusión, el conjunto deja una completa satisfacción de trabajo realizado.

El tono y la conducción de Carlos Sarrió, la voz recitativa de Antonio Sarrió y Begoña Crespo, dan un toque especial a esta conclusión de la trilogía, que puede ser vista de forma aislada en cada una de sus partes, pero que constituye un conjunto único en su objetivo.