Julio Castro - laRepúblicaCultural.es

Hace algunos años que conocí algo del trabajo de Daniel Diosdado, primero en la parte cinematográfica, a través de la presentación de algún cortometraje dirigido por él, pero también como actor teatral. Recientemente volví a encontrarlo en un nuevo trabajo fílmico que, en esta ocasión, comparte con la bailarina Vanessa Calderón.

En esta ocasión el resultado es diferente. Y es que la perspectiva ha cambiado, no parte desde el objetivo de la cámara, ni desde la visión del director, sino que se crea a partir de la danza, de una coreografía. Y aquí entra precisamente la idea de Vanessa Calderón, porque el diseño coreográfico que ha querido hacer la responsable última de este trabajo, no es filmar un trabajo de videodanza, porque no se trata de la estética en sí, sino que intenta cumplir con dos objetivos, por un lado el de transmitir una historia que surge de la necesidad de implicar a un personaje que genera la parte de dramaturgia en su coreografía: de aquí el intentar conseguir la transmisión, la comunicación con el público. Por el otro está la idea de no hacer un espacio plano del trabajo cinematográfico, para lo cual intervienen, de una parte, el planteamiento de la coreógrafa y su manera de conectar con la cámara. De otra parte tenemos el ojo del director cinematográfico, que consigue dotar de tridimensionalidad el trabajo final.

Como comentaba, conozco más el trabajo de Daniel, y donde he visto su participación siempre ha habido algún tipo de compromiso social. Por lo que ahora veo en Vanessa, concluyo que su intención es la misma, evitar mera muestra de “lo bonito”, para proporcionar un contenido más profundo a lo que aporta a la sociedad desde su espacio artístico y cultural. No siempre es sencillo en una sociedad tan burda como es la que ha sido lavada y centrifugada de objetivos, intenciones, educación… y preparación cultural, claro.

Los poderes mediáticos nos quieren convertir en un pueblo sin criterios, sin ideas, pero es complicado pasar como el caballo de Atila, como demuestra este caso. Y es que su nueva propuesta marca una línea que traza un marco de contenido para nuevas propuestas, que abre nuevas posibilidades. Precisamente es lo que me llevó a comentarles tras la presentación de su cortometraje 3’30’’ Dkadencia en Cortos con Ñ “sois muy valientes para atreveros con algo así”. Y es que, si con la danza parece que es difícil de atraer a un público a los escenarios, introducirla en un cortometraje puede ser rizar el rizo, ya que cabría la posibilidad de encontrar cerradas las puertas y las ventanas. No ha sido así, de manera que en pocos meses han ganado varios festivales en España. Puede ser que el mundo del cortometraje cuente con otro público, pero también puede ser que hayan hecho un buen trabajo (y, particularmente, me inclino por esto último).

¿Cómo se pasa del mundo de la danza al cine?

Vanessa: Yo llevo muchos años bailando, es mi profesión, y luego estudié interpretación, porque para en la danza, Pina Bausch, con su expresión lo dice todo, a mí a veces me faltan cosas, así que contar una historia con su emoción y con palabra (aunque no sea mucha) es interesante. Y yo necesitaba contar algo desde esa perspectiva. Y, aunque había estudiado interpretación antes, no me llegaba y se me quedaba en la cabeza, así que no funcionaba, y después de acabar un master de interpretación con unos ingleses, empecé a entender el desarrollo que puede hacer un artista, un bailarín a través de la interpretación y ahora para mí, mi danza está llena.

Por otro lado, me parece más interesante la visión de la danza desde un director de cine, que la del videoarte, porque este último se queda un poco como cuando vas al teatro y para eso ya tienes el teatro que es maravilloso. Y queríamos llegar más lejos y hacer una especie de película sobre qué le pasa a esta mujer y qué utiliza para llegar a un lugar, desde la danza y la interpretación.

Y a la hora de la realización, supongo que para la cámara esto es un problema

Daniel: Es problema, porque, como todo, cuando ocurre una historia delante de la cámara, lo difícil es cómo ponerla para que el público la entienda, y lo que me sorprendió del planteamiento de Vanessa la primera vez que lo vi, es que no era una danza pura y dura, no una coreografía, sino una historia con un personaje al que le pasaban cosas. Y eso, al fin y al cabo, sea danza o no, es una historia. Y lo tenemos que contar en imágenes “no importa” que sea danza o que sea un cine más convencional. Al ser danza, el reto es hacer que esas imágenes vayan en consonancia con esa danza. Pero teniendo la historia y el personaje, se pueden poner las cámaras, porque hay algo que ocurre delante. Igual parece que menospreciamos el arte de dirigir, pero eso es todo culpa de Vanessa, porque ella tenía muy claro lo que quería contar y cómo quería contarlo, así que, cuando tienes un buen guión un buen personaje y una buena historia, para el director es mucho más fácil poner la cámara, editar… porque está llena de contenido: al tener una historia potente con un personaje potente, la historia está. Yo la veía hacer un paso de coreografía, una expresión en la cara… y a mí el cuerpo me pedía poner la cámara desde este ángulo para aprovechar lo que estaba ocurriendo delante. Desde el punto de vista de la realización es fácil cuando tienes una historia delante.

Entiendo que una película como la de Pina pueda ser un boom de cine, pero me pareció muy valiente vuestra apuesta por hacer un cortometraje de danza ¿es una manera de abrir una idea nueva? ¿Se puede entrar en el cine a través de vuestro campo o es difícil?

V.: Me parece que luego tendrá muchos comentarios y también muchas ideas, porque, por un lado estará la gente purista de la danza, que va a seguir opinando como opina, y luego está la gente capaz de abrir la mente, quedarse con la historia y verla potente. Yo creo que es un medio de expresión y que hay que cambiar cosas, evolucionarlas. No creo que haya descubierto la panacea, ni mucho menos, pero a lo mejor sí que hemos abierto la “caja de Pandora”, y le damos un vuelco a una forma de danza que me parecía que le faltaba mucha mente, porque la danza teatro se me queda también en una panorámica de 180º, no llega a los 360º: me gustaría ver algo en la profundidad. Y además, quiero tener mi propia idea de lo que estoy viendo y que me toque, como las películas de Almodóvar, que aunque no me gusten no me dejan indiferente. Eso es lo que buscaba.

He hecho muchísima danza comercial, mucha contemporánea y siempre me ha faltado algo. Quizá también por que no contaba las cosas que quería, sino las de otro, pero aún así, hay muchas cosas que decir a en la sociedad, y la sociedad quiere ver cosas. Así que, de repente el mundo del cortometraje, que a veces lo hacemos en cinco minutos, o lo grabamos rápido…, pero si te tomas un tiempo… A mí me ha llevado casi un año hacer este, primero por mi preparación, luego en la cuestión técnica ha sido brutal, porque en dos días lo han resuelto, pero yo he necesitado mucho tiempo para saber lo que estaba contando y cómo lo quería contar. Eso me ha dado otra perspectiva, y si al mundo del corto se le presta un poco más de atención se pueden hacer cosas muy interesantes. Me gustaría que 3’30’’ Dkadencia entrara como parte de una historia, que no se quede sólo en “un corto de danza” hay gente que sí que lo ve como historia.

Habéis pasado por distintas convocatorias, ganando con vuestro corto ¿significa que hay un público para todo y para esto también?

D.: Un jurado para esto, desde luego (ríe). Creo que sí hay un público. Retomando un poco la pregunta anterior, al ser fusión entre danza y corto, habrá puristas que digan esto es danza no corto, y al revés.

En España se hacen muy buenos cortos, algunos espectaculares. En algunas ocasiones me he quedado con la boca abierta diciendo “¡qué maravilla!”, y la sensación que me da con este corto nuestro es que se trata de algo que no se está haciendo (hasta donde yo sé). Creo que una píldora nueva dentro de un mundo lleno de pastillas de colores, que es el mundo de los cortos. Sinceramente, creo que es nueva. Y como todo material nuevo, creo que sí tiene su público, uno que está lleno de experiencias nuevas y diferentes. Ahora, siempre que hay un producto novedoso, hay que encontrar al público, porque está escondido. Así que, la estrategia de los festivales consiste en presentar al mayor público posible esta nueva forma de hacer las cosas, con un lenguaje diferente.

Sea en la danza, sea en los cortos ¿es posible hacer un trabajo que no quiera transmitir algo?

V.: ¿Algo que sea visual y ya está?, bueno es lo que se llama videoarte. Te está transmitiendo una puesta en escena, un lugar. Pina puede ser una bella pieza de arte, que te transmite una gente con unos movimientos maravillosos, unos emplazamientos tremendos… y eso no significa que te esté contando nada, pero con lo que tú sientes al verlo, ya significa algo.

D.: Creo que todo el mundo que hace arte quiere contar una historia, no creo que exista el corto vacío de contenido, pero creo que hay cortos que a mí no me llegan y me parece que están vacíos de contenido, y no quiere decir que el autor haya hecho un corto que no vale para nada, sino que tal vez yo no sea el público objetivo y por eso no me llega la manera de contar su historia, no ha conectado conmigo. Por eso me parece vacía, pero igual el autor te puede escribir un ensayo de 100 páginas con el contenido.

V.: pero hay videos comerciales, por ejemplo, el coreógrafo Jermain Brown, que trabaja mucho con Victoria’s Secrete haciendo videos comerciales, hizo uno maravilloso en el que no está contando nada: tienes una puesta en escena, una coreografía, unos bailarines y un vestuario tremendos. Te está vendiendo un vestuario con un arte, pero no te vende una historia, es visual.

¿En otros sitios de Europa tiene más posibilidades vuestra línea de trabajo actual? ¿Habéis notado si hay un público más preparado en otros lugares?

D.: es un poco pronto, pero tengo la sensación de que también es novedoso fuera, donde también lo estamos moviendo. No tenemos aún respuesta, pero respecto a lo que se puede hacer en Alemania, Inglaterra o Estados Unidos, no creo que España esté a la zaga en absoluto, así que, el mercado de 3’30’’ Dkadencia aquí o fuera, lo veo parecido. Creo que es una pieza novedosa para un público que busque cosas nuevas.

¿Hay un público para cortos en España?

D.: Sí, enorme, vamos a muchos festivales y hay muchos en los que no hay aforo.

V.: Y para todas las edades, creo que a todo el mundo le gustan las pequeñas historias, que les cuenten algo. Me parece que es mucho más difícil contar una pequeña historia en diez minutos que en hora y media. Hay que ir al grano o no hay nada, pero tampoco se puede ser demasiado directo.

D.: Es distinto, es el arte de los diez minutos frente al arte de la hora y media.

V.: Y las críticas personales que hemos tenido de gente de dentro y de fuera, son bastante buenas y muy sorprendentes: te puede gustar más la luz o menos, cada uno tendrá una opinión, pero en general dicen que es muy potente.

¿Vais a continuar por esta línea o estáis con otras cosas?

D.: Vamos a seguir por esta línea y vamos a intentar otras cosas, que ya tenemos ideas para el siguiente corto de esta línea, que aúna estilos, pero también tenemos proyectos e ideas más convencionales. Siempre con un componente social fuerte, porque nos gusta hacer cosas que provoquen algo, que no te dejen indiferente, que provoquen pensar después. Pero sí, tenemos proyectos convencionales y proyectos de “difusión”.

¿Se puede vivir de los cortos?

D.: Una vez conocí a un productor que vivía de esto ¡de verdad!

V.: A final de año te lo decimos. De momento no lo hemos conseguido, porque hay festivales con premios, no hemos pedido subvenciones para ningún tipo de corto, pero…

D.: Bueno, vivir del cine y vivir del arte, en general, es muy difícil, hay que priorizar: ¿quieres ser rico o hacer lo que te gusta? Si quieres ser rico dedícate al petróleo, porque… Aunque hay artistas que son ricos.

V.: Yo discrepo, porque creo que haciendo lo que uno ama puede hacerse rico con ello.

D.: Es difícil, no imposible. George Clooney es rico, y además es un personaje que me cae bien, porque es muy cañero y toca temática social. Se ríe de sí mismo y da caña.

¿Cómo veis el panorama cultural en España?

D.: Desde el punto de vista creativo lo veo maravilloso, creo que se están haciendo cosas muy nuevas, muy potentes, muy frescas, con mucha calidad (tanto profesional como humana, porque la gente es muy sincera con su arte). Ahora, debido a esta crisis en la que llevamos cuatro años, desde el punto de vista económico, se tiene que inventar un modelo sostenible diferente al actual, que se ha demostrado que no funciona. Y no funciona porque somos un país que está en una tensión económica muy fuerte. Y hay nuevas leyes de cine, con nuevas propuestas… y hay que esperar a ver cómo se va a desarrollar ahora el cine. Así que, económicamente no se sabe cuál es el modelo a seguir.

Hace poco he estado por segunda vez en Berlín, y el ambiente que se respira es de mucha creatividad, la gente tiene las ideas muy claras, se hacen negocios, se mueven cosas, se generan cosas. Evidentemente hay incertidumbre, pero eso no hace que se pare la máquina: hemos conocido un montón de productores que se están moviendo, otros que se apuntan a proyectos (por simplificar: gente que pone dinero para proyectos y gente que busca dinero para hacerlos), y hemos conocido a gente de todos los ámbitos. Así que el ambiente que se respira es muy bueno, pero hay que ver a qué puerto llega todo eso. El festival lo vi muy bien, tanto de afluencia de público como de profesionales.

Y tú, Vanessa, aparte de la cuestión cinematográfica ¿sigues con tus proyectos de danza, o ya te vinculas al campo cinematográfico?

V.: Ahora mismo estamos preparando un guión para un corto que, aunque no es de danza, también es muy interesante, y tengo también pensada la historia del siguiente corto danza-interpretación. Pero claro, estamos a tantas cosas que… como requiere tiempo de ensayo y en éste me voy a meter en un arte, un estilo, que no domino tanto, así que me va a costar bastante.

¿Concretamente en qué?

D.: (ríe) ¡Ahí te has metido tú sola!

V.: Sí, me he metido sola… Es una mezcla de estilos, muy español y muy americano, y luego con una historia que ya tengo pensada… voy a necesitar ensayar mucho, así que, de aquí a que tengamos algo de esto, vamos a tardar. Como actriz sí me gustaría hacer otras cosas y desvincularme un poco de la danza que, aunque es un poco mi súmmum, me gustaría probar que puedo hacer otras cosas aparte.

D.: Doy fe de que lo puede hacer muy bien, ya aquí aprovecho para hacer un poquito de promoción de La reina de tapas (en fase de postproducción), una película que hicimos el pasado verano verano, y en la que Vanessa hace un papel en el que está muy bien y muy graciosa, que no es superficial, también tiene trasfondo humano también. Uno de los objetivos que teníamos en Berlín era buscar distribución y de momento estamos muy contentos. Así que puedo dar fe de que además de bailarina-actriz, es una muy buena actriz. Era la segunda vez que trabajábamos juntos, porque hicimos uno que se llama Con cara de gilipollas, que ha funcionado muy bien ha tenido bastantes selecciones en festivales y en el que dirigía yo, pero actuábamos los dos juntos. En La reina de tapas era la primera vez que yo dirigía y ella actuaba. Y la experiencia muy buena. A ver qué vas a decir.

V.: No, como director no me puedo quejar (ríe), creo que es muy fácil y que hay que tener una química con la gente con la que se trabaja. Por eso decidí trabajar sola (ríe de nuevo), porque llevaba diez años trabajando con gente, he hecho un montón de cosas, y al final me dije “¿qué tal yo sola, si me quito el miedo?”. Y es una responsabilidad tan gorda, que cada vez que presento el corto de 3’30’’ Dkadencia tengo que decir “todo esto es responsabilidad mía, el director de foto y el de cine han venido aquí a ayudarme, pero todo lo demás es mi culpa”. Pero que alguien te pueda dirigir una idea tuya, que tenga su visión y que concuerde con la tuya, sin necesidad de darle doscientas vueltas o tener que exigir cosas… sin los egos… por que yo no trabajo por mí, sino por lo que le pasa a esta mujer, y lo más importante es la historia, no la actriz, ni el director de foto, ni el director del cine. Se trata de trabajar para que la gente lo vea, trabajas para el público: para que a alguien le toque. Por lo menos esa es mi meta.