Julio Castro - laRepúblicaCultural.es

No se trata de un secreto ni de una sorpresa: actor, actriz y violoncelista hacen su trabajo desnudos. Sencillamente su cuerpo no tiene nada que esconder, así que parecen querer centrar la atención del público en su trabajo y en la manera de desarrollar su expresión corporal, antes que en vestuarios o complementos.

En realidad, ocurre que no se hace nada extraño que ambos estén sin ropa, mientras el público que les rodea permanezca vestido, de manera que no tienen problema alguno en sus interacciones, así como en las que puedan darse con los espectadores, dando una completa naturalidad a su trabajo.

Y roto el hielo de los dos primeros minutos, destruyen esa cuarta pared que separa a la acción respecto del público, mediante un trabajo que no parece obligar a nadie a hacer nada, sino más bien integrando su trabajo entre quienes acuden a participar del acto escénico. De esta manera entrecruzan las dos líneas de trabajo que se plasman en su diseño: la transgresión dramática que desnuda a los clásicos, junto a la transgresión personal que desplaza el foco de atención del escenario al conjunto de asistentes a la función.

Tres parejas de personajes clásicos desarrollarán su historia de amor-desamor, en la que el planteamiento de Simbolia Teatro quiere dejar patente las zonas erróneas de los conceptos asumidos a partir de los roles sociales, construidos para lectores o público menos profundo. Y es que Santi Senso ha querido mirar más allá, interiorizando el desarrollo de estos papeles y maltratando intencionadamente algunas facetas que los autores pueden dejar entrever a partir de sus originales, o bien que el actor y director decide acometer desde sus propias experiencias vitales.

De esta manera, desde el juego a la ironía, actriz y actor ponen en formato dramático, con una visión contenida que deja al público la libertad de desarrollarse, las pinceladas de aquellos pasajes que recogen a un Romeo con una Julieta, a un Don Juan con una Doña Inés, a un Dante con su musa Beatrice, pero, sobre todo, a un Hamlet con una Ofelia. Tod@s ell@s son diferentes, por más que salgan del original, porque se les plasma en esta nueva irrealidad por medio de un prisma distinto. De todo este doble cuarteto, me parece que el de mayor fuerza es precisamente el de Hamlet y Ofelia, no sólo por el juego que desatan como locura dentro de la locura, como giros de la mente dentro de unos personajes que enloquecidos de amor y resquemor “reenloquecen” de desamor y cordura. Además identifico un discurso más personal del propio dramaturgo en el discurso de la propia Ofelia, en la que vuelca una de sus experiencias de amar(gura) para darse a sí mismo respuesta en el diálogo de “el otro”, y en esa forma de autosatisfacción, dejar que el público entienda la otra manera de mirar a una pareja clásica.

No es sencillo rehacer en otro teatro lo que todo el mundo asumió de una determinada forma. No me refiero al formato clásico, sino al darle la vuelta a la realidad de sus personajes, así que es de agradecer que aquí la compañía rompa con todo, no sólo con el molde, sino con el material del molde. Entre textos y diálogos, las formas son muy importantes en esta puesta en escena, porque el trabajo físico en el que se meten los pares de personajes les llevan a movimientos complicados en los que hay riesgo y en los que cabe la improvisación cada vez. Encontramos paralelismos y lugar para otras cuestiones como la muerte del toro en la plaza, pero también para imágenes que no sospechaba que nos muestran figuras cercanas a aquellos lobos de Miguel Prieto, que en su obra Los lobos del capitalismo recogía a esa pareja aullando o mostrando dientes a una luna de palomas. Tal vez no tenga relación con aquella obra del ’55, pero al final ciertas intenciones conducen a caminos afines o paralelos.

La puesta en escena juega con las luces y el entorno, que obliga a la adaptación a cada lugar y a cada espacio, de manera que se fuerzan contraluces y claroscuros en apenas un par de tonos, un fuerte amarillo y un rojo algo menos intenso, que permanecen constantemente sobre las figuras en escena, y también entorno al público asistente, de manera que nada hay que esconder, porque tod@s estamos en el mismo espacio. Todo tiene su punto álgido y tal vez puntos más bajos, pero en medio del juego artístico aquí se pueden permitir el lujo de introducir nuevas ideas en el “haber” de un teatro que se ha popularizado como inamovible, y que resulta ser más dinámico e interpretable de lo que parecía.

Tanto Inés Blanco como Santi Senso vuelcan una energía que es creciente hasta el último momento de su trabajo, pero no dejan de permanecer tan frescos tras un instante de descanso al final de la función, como respuesta al trabajo satisfactorio. Cary Rosa, que se parapeta tras su chelo no se queda escondida en su música, sino que quiere saltar y dar en ciertos instantes su voz a los personajes, una voz con un temple musical que parece que no puede llegar hasta los niveles a los que alcanza en algunos pasajes, en una mezcla musical que lleva desde los clásicos hasta casi cualquier cosa que se nos ocurra.

En fin, un trabajo que deja entre sorprendido, divertido y, sobre todo, con una visión diferente.